Gallery Weekend
Donostia · San Sebastián

D'ascendance et d'attache donostiarra, Rafa Satrústegui présente pour la première fois en 22 ans son œuvre dans une exposition individuelle à Saint-Sébastien. La dernière remonte à 2004, à la Galería Dieciséis, sous la direction de Gonzalo Sánchez, disparu en 2007.

Avec la délicatesse et le lyrisme qui le caractérisent, l'artiste revient à Donostia, cette fois à la galerie Arteko, avec une série de peintures et de papiers où il cherche à exprimer, par un minimum de moyens et de registres, la puissance et la versatilité du geste, en explorant la frontière qui le sépare du signe. Il fait pour cela taire toutes les couleurs à l'exception du bleu de Prusse, pigment presque exclusif de cette exposition intitulée Sugerencias prusianas.

Il y a trois ans, un événement très proche m'a profondément marquée : le cancer. Le poids de ce mot est accablant. J'ai décidé d'aborder la maladie avec l'intention d'apporter mon soutien, de collaborer, de visualiser et de normaliser. C'est ainsi qu'est né mon projet pictural « Bizi-min-bizi / Au plus près du cancer ».

J'ai travaillé pendant un an et demi au service d'anatomopathologie de l'hôpital Donostia, avec l'aide du Dr Manuel Moreno Valladares, observant au microscope et dessinant in situ des biopsies de différents cancers. Les séances de trois heures se prolongeaient en atelier par des développements à l'acrylique de format moyen ; l'année et demie suivante, j'ai travaillé à l'huile, sur de plus grands formats et avec des interprétations plus libres.

Le violet et le lilas dominent : la plupart des biopsies sont colorées à l'éosine pour visualiser les cellules, et ce colorant a cette teinte. Le besoin humain de se connecter aux autres, comme les neurones ou les cellules ont besoin les uns des autres pour fonctionner, est un thème récurrent dans mon travail.

Ruoxi Jin (Harbin, 1997, Chine) travaille principalement la sculpture et la performance, tissant des récits construits de manière complexe où convergent anecdotes généalogiques et tours de magie.

Une sensation de fluidité traverse la pratique de Jin, résonnant non seulement avec les vies passées des objets qu'elle assemble, mais aussi avec les siennes. La virtuosité de ses assemblages hétéroclites reflète une vision poétique ouverte aux croisements et aux associations. L'assemblage ne devient pas seulement une recherche formelle, mais un moyen de tisser des liens affectifs et des expériences partagées.

Ruoxi Jin est diplômée de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2024. Parmi ses expositions individuelles récentes figurent MA Félicité, Frac Île-de-France, Paris, 2026 ; Microclimats à la Galerie Mennour, Paris, 2025 ; Prix sur demande à la Galerie du Crous, Paris, 2025 ; REGRETS, DNSAP, Beaux-Arts de Paris, Paris, 2024.

La galerie Ekain Arte Lanak présente les sculptures et dessins de petit format de l'exposition Nature Harmonie Poésie de Mikel Lertxundi.

L'artiste a transformé des matériaux lourds et robustes — la pierre, le bois, le fer — en objets légers et fragiles, les vidant de matière et les remplissant de suggestions et de messages, jusqu'à en faire des objets précieux, quasi-amulettes.

Une proclamation des grandes et profondes valeurs du petit, et une proposition plaisante à tous les sens et pour tous les sens, au point de provoquer un regard tactile.

Un apport esthétique intemporel à la tradition et à des siècles d'histoire. Une invitation à découvrir la poésie dans l'harmonie de la nature.

Un rapprochement de la Terre et de son équilibre inhérent pour le spectateur, afin d'offrir un répit et une pause dans ces temps d'instabilité et de changements accélérés.

La peinture de María Castilla s’inscrit dans une tradition clairement identifiable, celle du paysage réinterprété à partir des avant-gardes, mais elle le fait depuis une position personnelle qui évite aussi bien la littéralité que la nostalgie. Son travail ne décrit pas la nature : il la reconstruit.

Le fil conducteur de son œuvre est une synthèse entre perception et structure. L’artiste part du paysage, les montagnes du Guipuscoa et la présence constante de la mer, comme expérience sensorielle. Elle le soumet toutefois à un processus d’épuration formelle qui renvoie clairement aux langages cubistes. La fragmentation du plan, la superposition des champs chromatiques et la simplification des volumes génèrent une spatialité construite, non naturaliste. Cependant, à la différence du cubisme analytique, Castilla ne dissout pas la réalité, elle la réorganise dans une clé émotionnelle.

C’est à ce point qu’émerge la dimension expressionniste de sa peinture. La couleur n’agit pas comme un élément descriptif, mais comme un agent structurel et affectif. Les verts acides, les bleus saturés et les gammes rompues occupent le premier plan et configurent le rythme interne de l’œuvre, établissant des tensions et des équilibres qui remplacent la perspective traditionnelle. Le paysage cesse d’être un lieu pour devenir un état.

Il est significatif que la géométrie ne s’impose pas comme un système rigide, mais comme un outil flexible. Les formes, bien que synthétisées, conservent une vibration organique qui évite la froideur constructive. Il y a dans sa peinture une négociation constante entre ordre et fluidité, entre ce qui est appris à travers sa base théorique liée à l’histoire de l’art et ce qui est vécu.

Dans ses scènes maritimes, la lumière se dissout en larges plans qui rappellent certaines solutions postimpressionnistes, tandis que dans les paysages intérieurs, la structure devient plus fragmentée, presque tectonique. Dans les deux cas, le résultat est une peinture qui oscille entre contemplation et construction intellectuelle.

María Castilla ne peint pas le paysage basque : elle le traduit dans un langage propre, où la couleur est la protagoniste absolue et la forme, un véhicule. Son œuvre révèle une artiste consciente de la tradition, mais non soumise à elle ; capable d’intégrer des références historiques dans une pratique picturale cohérente, où la nature est, avant tout, un prétexte pour penser la peinture.

Depuis 2023, Juan Aizpitarte travaille sur « destello », un long métrage documentaire de fiction qui aborde l’univers de la culture chamanique au Pérou et qui se trouve aujourd’hui en phase de montage.

Storyboard n’illustre pas ce film, il l’étend à travers d’autres médiums. Les dessins au fusain et les sculptures inédites réunis ici fonctionnent comme une archive du fantastique, ce lieu où un souvenir diffus trouve une forme matérielle avant de se fixer en image photographique.

Les dessins déploient un monde onirique composé de minéraux, de corps animaux et de motifs végétaux. Les sculptures, proches du thériomorphe, offrent des volumes à mi-chemin entre la créature et la matière brute, des formes possibles qui cherchent à exister dans des lieux probables.

Entre ces deux disciplines circule une même intuition : maintenir vivant ce que la mémoire menace de dissoudre, sans en forcer la traduction.

La relation au chamanisme ne va pas de soi. Juan Aizpitarte ne documente pas un rite et ne s’approprie pas un imaginaire. Depuis des années, il observe les gestes, les cérémonies et les cultes qui convergent dans cet univers, et laisse cette observation se déposer autant dans le dessin que dans la sculpture et dans le montage du film.

Travailler avec la mémoire, c’est accepter la réalité subjective comme principe d’objectivité, et faire confiance aux processus situés entre veille et sommeil.

Storyboard est un titre littéral. Chaque œuvre est un plan possible, une idée audiovisuelle libérée dans l’espace de la galerie, où objets et images permettent de multiples récits sans en imposer aucun en particulier.

Ce qui est montré n’est pas le résultat d’un film, mais sa pensée parallèle, ce plaisir de la création qui précède le projet et le dépasse. Un terreau fertile pour ce qui est encore à venir.